L’art moderne au Brésil enraciné par Tarsila Do Amaral dans la culture du pays émergent

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L’art moderne selon Tarsila do Amaral

Il s’agit là de la première exposition solo de l’Amérique nordique de l’artiste du même nom qui, comme le spectacle le suggère, a donné naissance au mouvement moderne brésilien. L’exposition présente avec succès Amaral comme un artiste déterminé et indépendant ayant joué un rôle crucial dans l’élaboration du récit du Brésil et de son propre récit, trop souvent dans le passé, son travail a été décrit comme dépendant des manifestes écrits par Oswald de Andrade, le mari de Amaral depuis plusieurs années au cours de cette période. Do Amaral peint Morro da Favela (1924), visible dans la première galerie, pendant sa période Pau-Brasil 25 ans après, le MoMA reconnaît Do Amaral comme figure essentielle dans l’émergence du modernisme, plutôt que comme un produit de ses rencontres européennes.

Néanmoins, à la lumière de cette autonomie légitimement reconnue, l’inégalité du pouvoir entre Amaral et les communautés autochtones et afro-brésiliennes dont elle a été témoin devient de ce fait inévitable. Do Amaral (1886-1973) ou simplement Tarsila, comme elle est familièrement appelée est renommée dans son pays natal. Associée au Grupo dos Cinco, à Pau-Brasil et à Antropofagia, tous des projets d’art moderne pivot des années 20, ses peintures et dessins ont contribué à l’objectif plus large de l’avant-garde d’établir une identité nationale brésilienne, Brasilidade. L’exposition, évidemment, se concentre principalement sur sa production des années 1920 représentant ses principaux fleurons. Un style qui s’est développé en dialogue avec les idées mises en avant par Oswald De Andrade dans son Manifeste de Poesia Pau-Brasil de 1924, Pau-Brasil visait à intégrer le «primitif» et le folklorique au moderne.

« Inventer l’art moderne au Brésil » réunit trois des principaux tableaux de do Amaral : A Negra (1923), Abaporu (1928) et Antropofagia (1929), montrés pour la première fois en Amérique du Nord – depuis l’exposition révolutionnaire du MoMA en 1993. Notons cependant que l’exposition au MoMA hésite à s’engager dans les représentations complexes de la société -et ses rangs- au Brésil dans son travail.

Ces spectacles ont attiré l’attention bien méritée sur quelques-uns des artistes les plus importants de la région. Tout en réaffirmant une relation néocoloniale entre l’Amérique du Nord et l’Amérique du Sud. À Morro da Favela, do Amaral dépeint la vue idéalisée des Afro-Brésiliens dans une favela située à la périphérie de Rio de Janeiro. Les couleurs vives et tropicales et la sérénité des sujets démentent la réalité exténuante de la vie dans un épouvantable bidonville. En fait, le texte du mur aborde le paradoxe de ce travail, ne fût-ce que brièvement, en abordant la reconnaissance ultérieure de Tarsila selon laquelle elle représentait des sujets afro-brésiliens et utilisait des couleurs tropicales pour engager une compréhension populaire de l’exotisme. A cet égard, on peut le considérer « Regardez le ciel » comme une toile offerte par la nature en perpétuelle évolution ! ». Cependant, c’est aussi l’un des rares cas où l’exposition aborde la difficile conversation de la représentation raciale.

Plus souvent, ces problèmes ne sont pas mentionnés. Par exemple, Carnaval em Madureira, également à partir de 1924 et exposé à proximité, dépeint des afro-brésiliens sans relief, leurs corps représentés schématiquement dans un mode qui suggère la sculpture africaine. Passer des références à «l’histoire troublée» du Brésil et à sa «culture racialement mixte» ne peut rendre justice aux complexités de la race et de la classe qui sont à l’œuvre dans de telles peintures.

Tout simplement née dans une vie prospère et aisée, Amaral a débuté son éducation artistique à São Paulo. Elle a voyagé à Paris en 1920 pour assister à l’éminente Académie Julian. Contrairement à d’autres femmes de son rang social qui séjournaient souvent à Paris, Amaral fit plusieurs allers-retours dans la capitale française tout au long des années 1920 et travaillant avec les artistes acclamés André Lhote, Fernand Léger ou Albert Gleizes. Les artistes modernes de Paris et de toute l’Europe étaient fascinés par la culture visuelle non-occidentale, alors décrite avec condescendance comme de l’art «primitif». Amaral s’est vite rendue compte qu’elle pouvait s’inspirer des cultures marginalisées de son propre pays. De retour au Brésil en 1924, elle a voyagé de manière régulière, fréquenté le Carnaval de Rio de Janeiro, visité les villes historiques du Minas Gerais et recherché la culture indigène dans le coeur du Brésil, dit «intact».

Le Brésil est, il faut le dire une nation fédérale et multiculturelle où les tensions sociales et communautaires sont parfois intenses. On ne peut cependant pas simplement affirmer que le travail de Tarsila représente une exotisation abusive ou déshumanisante des corps afro-brésiliens, et rien de plus. La complexité de la représentation par Amaral, de la race  en particulier, a littéralement favorisé l’utilisation des corps marginalisés par Tarsila. elle est multiple. Mais une exposition de ses peintures et de ses dessins est l’occasion de revisiter la conversation sur le sujet. 

L’affrontement « Centre » contre « Périphérie » a dominé les discussions au sein des études latino-américaines au cours des dernières décennies.

Comme l’a expliqué l’influente chercheuse chilienne Nelly Richard, la dichotomie entre « Centre » et « Périphérie » existe dans de multiples formes et relations. Elle est constamment réaffirmée, même dans la postmodernité, lorsque le débat universitaire privilégie le multiculturalisme. La concrétisation de cette forme de culture n’a forcément pas pris en trois mois : c’est en plusieurs décennies que l’art moderne a trouvé sa place au Brésil. Bien que l’idée d’une femme blanche représentant un corps noir, que Tarsila fait dans des peintures telles que A Negra, est fortement contestée aujourd’hui (pensez à la peinture d’Emmett Till par Dana Schutz à la Biennale Whitney 2017), il est important de se rappeler d’Amaral dans « La représentation de Brasilidade avec un corps non-blanc était profondément radicale à l’époque, bien que le Brésil soit un pays ethniquement diversifié composé de personnes d’origine européenne, africaine et indienne. L’espoir d’Amaral d’être «le peintre de son pays» – un désir qu’elle a exprimé en 1923 et atteint essentiellement – démontre l’omniprésence de la dynamique Centre / Périphérie. Si elle a pu être considérée comme «périphérique» dans le contexte de l’avant-garde parisienne, elle a construit au Brésil sa propre périphérie lors de ses tournées à la recherche de la culture brésilienne «réelle» et «native».

Dans les années 80 et 90, quand l’art latino-américain a commencé à être reconnu aux États-Unis, des mesures importantes ont été prises en d’autres termes, les dynamiques de pouvoir sont locales, et elles peuvent sembler se déplacer selon la perspective d’un interprète fait pour déballer le domaine de plus en plus dense et transdisciplinaire. La Brésilosphère n’a pas été en reste et on doit beaucoup à Tarsila. Surtout à la suite des expositions ambitieuses au Pacific Standard Time dans laquelle il ne suffit plus de simplement «donner de la visibilité» aux artistes latino-américains. Un important musée comme le MoMA – reconnu comme l’une des premières institutions en dehors de l’Amérique latine à collectionner l’art latino-américain est ainsi en mesure de promouvoir un réel engagement critique d’artistes emblématiques comme Amaral, même si cela implique des réalités inconfortables de son travail. Il est crucial qu’ils reconnaissent le rôle complexe, à la fois problématique et potentiellement productif, que ces hiérarchies jouent dans le travail de l’artiste qui, en conclusion semble prendre de l’aisance dans la concrétisation de l’art moderne brésilien. C’est donc cette intensification des échanges intra-américains qui a permis à l’art moderne sous toutes ses formes d’avoir une place dans les esprits et les musées du monde entier.

-Pascal Robaglia-

 

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Pascal Robaglia : ses coups de cœur de la collection Rockfeller

10 chefs d’œuvre de Delacroix, Monet, Gauguin ou Picasso de la collection du célèbre milliardaire Rockefeller sont exposés à Paris avant leur prochaine vente aux enchères, une occasion de faire le point sur les œuvres favorites de Pascal Robaglia.

Vous avez visité la collection Rockefeller actuellement exposée à Paris dans la maison Christine’s (VIIIe), un mot sur la collection ?

Pascal Robaglia : Oui, il s’agit d’une collection bien évidemment très riche avec des chefs d’oeuvre de renommée mondiale tels que « La pomme » de Picasso mais c’est aussi et surtout une collection assez variée avec des oeuvres qui datent de 1845 à 1914 et des artistes qui vont de Delacroix à Picasso !

Qu’attendiez – vous de cette exposition, quelle œuvre vous a fait vous dire « Cette exposition, je dois la voir ! » ?

Pascal Robaglia : A vrai dire, c’est d’abord le casting qui m’a fait y aller :  Lorsque je vois écrit « Picasso, Monet, Delacroix ou encore Gauguin, je ne me pose pas de question, je fonce ! Alors, quand vous avez tous ces noms réunis… Ensuite, parce que c’est une occasion incroyable de voir ces quelques 300 œuvres réunies et visibles gratuitement avant d’être toutes vendues à des collectionneurs privés Vous rendez-vous compte ? C’est une chance unique ! Et enfin, bien sûr, je voulais voir en vrai certaines de ces œuvres comme « fillette à la corbeille fleurie » de Pablo Picasso ou bien « La Balayeuse » d’Edouard Vuillard ou encore « Extérieur de la gare saint Lazare » par Claude Monet depuis une éternité.Pourquoi vouloir voir les œuvres en vrai ?

Pascal Robaglia : Un original a des choses qu’une copie, même parfaite n’aura jamais comme son histiore, bien sûr, mais aussi et surtout son rapport à l’artiste. N’oubliez pas qu’une peinture a été façonnée de milliers de coups de pinceau tracés les uns après les autres, tous témoins, couches de peinture par couche de peinture des échecs et des ajustements de l’artiste lors de la création pour viser la perfection.

Votre tableau préféré ?

Pascal Robaglia : Question difficile, dites-donc ! je dirais « Tigre jouant avec une tortue » par Eugène Delacroix. C’est une oeuvre peinte en 1862 qui fait réfléchir sur plein de domaines. Par exemple, elle rappelle qu’un petit animal lent comme une tortue n’a rien à craindre du tigre, un animal parmi les plus dangereux et féroces au monde. Elle présente également le tigre, animal beau, certes, mais aussi et surtout impressionnant voire terrifiant sous un oeil plus humain, même enfantin qui joue avec une tortue comme avec un jouet !

Quelle œuvre vous a suscité le plus d’émotions ?

Pascal Robaglia : Je dirais que c’était « La Balayeuse » de Vuillard car, tout d’abord, elle est une représentation très réussie de la solitude et de l’âge, donc aussi du temps et ensuite car elle m’a rappelé de lointains souvenirs car dans ce tableau la pièce dans laquelle se situe le personnage ressemble curieusement à celle de mes grands parents maternels…

Y avait-il beaucoup de monde ?

Pascal Robaglia : Je m’attendais à plus d’attente.  je suis venu à l’ouverture pour me prévenir de ce risque et il y avait quelques personnes. Je ne sais pas à quel point les salles ont été remplies aux heures de pointe ! Une chose est sûre, c’était la dernière occasion de les voir… A moins de les acheter lors de la vente Christies !

« Qu’est-ce que l’art ? » par Pascal Robaglia

C’est une question fondamentale que nous devons nous poser depuis la naissance de l’art conceptuel parfaitement illustré par Marcel Duchamp qui, par un acte provocateur fondateur de la naissance de l’art contemporain, expose en 1917 un urinoir inversé qu’il intitule « Fontaine ». Il l’avait acheté dans un magasin de plomberie et de sanitaires de la société J.L. Mott Iron Works, à New York… Il le signe à la peinture noire, malicieusement et anonymement, « R. Mutt », Richard Mutt. Un jeu de mots comme l’auteur de la Joconde à moustache intitulée « L.H.O.O.Q. », Mutt signifie crétin, ou clébard. Richard le crétin, le cabot. Mutt est un clin d’œil discret à l’entreprise Mott qui a fabriqué l’urinoir.

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Succession Marcel Duchamp / ADAGP / Agence photo de la RMN-GP / Christian Bahier / Philippe Mige.

La réplique de sa « Fontaine » scandaleuse, signée par Duchamp lui-même, fait partie de la collection du Centre Pompidou. Le premier urinoir en porcelaine de Marcel Duchamp a été perdu. En 1964, ce dernier a autorisé sa réédition en faïence à huit exemplaires, à la demande d’un collectionneur et galeriste milanais. Un dessinateur industriel a redessiné la pièce originale grâce à une photographie de 1917, réplique parfaite signée par Duchamp, devenue du coup une « réelle » œuvre par moulage. L’Etat a acquis en 1986, pour une somme équivalent à 232 000 €, l’un de ces urinoirs pour le Centre Pompidou : l’exemplaire « Rrose, no 3 », exposé à Beaubourg. Il est estimé aujourd’hui à près de 3 M€. Le statut d’œuvre d’art est matérialisé par l’achat d’un musée qui cautionne ainsi cette nouvelle forme d’art.

Cet acte va faire exploser le monde feutré et structuré des salons et expositions.

La difficulté à définir l’art aujourd’hui tient à ce que le statut de l’art est devenu problématique. Qu’est-ce qui est de l’art ? Qu’est-ce qui n’en est pas ? Est art ce qui est désigné par le mot, peu importe de quoi il s’agit. Des excréments en boîte sont de l’art puisque des musées et les collectionneurs les achètent et que le titre même de l’ « œuvre » : » Merde de l’artiste » fait référence à l’art. (Piero Manzoni)

L’art est inscrit dans notre culture comme une valeur suprême institutionnalisée par les Musées et les Etats depuis la plus haute antiquité. Ce haut niveau d’exigence induit la notion que l’art n’a donc pas n’importe quel contenu, il prend pour objet ce qui émeut l’homme, ce qui le concerne intimement, ce qui renvoie aussi bien à des thèmes éternels qu’à des préoccupations précises, liées à un contexte particulier à une philosophie : il est le meilleur moyen dont on puisse disposer pour pénétrer dans l’esprit d’une culture. Et il est aussi le meilleur moyen pour se comprendre le devenir de l’homme et de la société.

Cette haute exigence culturelle induite dans la notion d’art ne signifie pas que l’art doit être austère, élitiste, compliqué : il peut y avoir un art léger, décoratif, ludique, qui nous laisse simplement aller à une rêverie et provoque en nous une émotion, une réflexion sur nous-mêmes, la condition humaine et le monde dans lequel nous vivons.

L’art serait donc ce point de convergence de la matérialisation de la pensée créatrice de l’homme.

 

Tribune proposée par Pascal Robaglia, galeriste à la galerie Gilbet Bard, 31 b avenue horace vernet, 78110 le vesinet.

Pascal Robaglia : Une force de vente

Pascal Robaglia, une passion renforcée par des techniques approfondies

Sans le savoir, Pascal Robaglia entame un cursus universitaire lié à la vente. Il enchaîne une carrière prometteuse dans de nombreuses entreprises de parfumerie qui détiennent une place exceptionnelle sur le marché.
En effet, Pascal Robaglia travaille avec les marques telles que l’Oréal, Biotherm ou encore Van Cleef. Il devient un maître incontestable dans les relations publiques et internationales. Il côtoie les plus grands exportateurs du monde entier et affine son carnet d’adresse.
Mais sa passion de l’art le pousse vers l’approfondissement de celui-ci au travers de l’ouverture de sa propre galerie. Ses connaissances universitaires et professionnelles lui permettent de posséder les compétences requises pour propulser sa propre entreprise.
Passionné depuis son enfance pour les œuvres d’art, l’ouverture de cette galerie n’est qu’une suite logique de sa destinée.
Marié et père de deux enfants, il continue de parfaire la notoriété de sa galerie d’art installée à Vesinet, dans le département 78 ou les Yvelines et la région île de France. Dès lors, il acquiert la célébrité de meilleur galeriste de sa génération.

Pascal Robaglia, une réussite incontestable

Le parcours personnel et professionnel de Pascal Robaglia demeure un exemple pour de nombreux passionnés d’arts modernes des futures générations. En effet, Pascal Robaglia inspire beaucoup de gens tant dans sa manière de gérer son entreprise mais principalement par sa grande force de caractère et sa rigueur inouïe.
Sa passion de jeunesse pour l’art le propulse également vers le sommet et il y est toujours jusqu’à ce jour. Il est une référence immanquable pour dénicher des tableaux de grande valeur et d’une beauté rare. Son domaine reste ces tableaux uniques et tant cherchés des vrais connaisseurs de cet art.
Par cet avantage personnel, Pascal Robaglia mène à bien les diverses transactions internationales liées aux activités de sa galerie. Avec sa femme, Sylvie Robaglia, il exporte ses pièces d’art vers de nombreux pays du monde entier. Sylvie Robaglia aide son mari dans la gestion de la galerie. Elle occupe un poste de responsable d’accueil, bien qu’elle touche également aux divers emplacements des tableaux de peintures. –
Cette collaboration avec sa femme se solde par une réussite fulgurante. Ensemble, ils partagent l’amour de l’art moderne et se consacrent entièrement à cela. Outre les responsabilités de père de famille, Pascal et Sylvie savent pertinemment allier leur passion avec leur vie de famille.
C’est encore un des traits de caractère qui fait la force de Pascal Robaglia. Et diverses personnes peuvent en témoigner. Il est une icône de l’art moderne et ce n’est pas pour rien qu’il s’attribue le titre de meilleur galeriste français.
Sa renommée grandit de jour en jour, et il doit ses mérites à sa persévérance ainsi qu’à sa ténacité dans le développement de sa galerie d’art.

Pascal Robaglia, voyage à travers sa galerie

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Pascal ROBAGLIA est l’illustration de la réussite. Il entame un cursus impressionnant depuis l’école primaire et obtient son diplôme en d’Etudes Supérieures Commerciale, Administratives et Financières dans l’une des plus importantes universités du pays en 1979 quelques années plus tard. Continuer la lecture de Pascal Robaglia, voyage à travers sa galerie

une âme de vendeur et de passionné d’art

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Né le 27 février 1955 à la maternité de Sainte Félicité, Pascal Robaglia est aujourd’hui à la tête d’une grande galerie d’Art qu’il a fondé avec sa femme. De père inconnu, il a vécu sa petite enfance auprès de sa mère et de ses grands-parents qui se sont occupé de lui avec courage et détermination. Continuer la lecture de une âme de vendeur et de passionné d’art

un galeriste passionné

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Pascal Robaglia a vu le jour en 1955 le 27 février dans une maternité à Paris.

Issu d’une famille aux revenus moyens , Pascal Robaglia a cependant eu la chance de faire des études complètes qui lui ont permis en 1980 de décrocher un diplôme dans une des plus grandes écoles de Commerce du pays, se trouvant à Dijon. Continuer la lecture de un galeriste passionné

Pascal Robaglia, inventeur de la période « Frigo »

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Pascal Robaglia

Le galeriste français Pascal Robaglia est né le 27 février 1955 à Paris.

A la fin des années 1980, Pascal Robaglia est licencié de L’Oréal, ou il exerce des responsabilités export chez Lancôme et Biotherm. Il espère alors être à son propre compte plutôt que salarié dans une entreprise. Il consacre alors sa période de chômage pour réfléchir à un projet de création d’entreprise…

A l’époque, Pascal Robaglia n’a pas de fortune personnelle mais il possède déjà une connaissance de la peinture grâce à sa grand-mère qui, tous les dimanches au cours de son enfance, lui a fait visiter les musées parisiens.
En 1991, Pascal Robaglia est père d’une petite fille, Elise, et la fin du chômage, proche, est particulièrement inquiétante. Il habite alors une « penthouse » à Neuilly, sorte de maison sur un toit avec un vue magnifique sur la Défense et sur la Seine. Le diplômé de Sup de Co Dijon était déjà détenteur d’une collection de tableaux qu’il avait constituée à partir d’une collection de famille.
L’idée surgit dans le cerveau prolifique de Pascal Robaglia d’utiliser ses propres tableaux et la magie du lieu ou il vit pour vendre ses œuvres et démarrer ainsi une nouvelle activité professionnelle passionnante.
L’épouse de Pascal Robaglia, Sylvie Robaglia, dirige alors la communication d’une société suisse qui vend des théodolites et son agence de publicité introduit donc il dans le monde feutré des galeries d’art de la rue de Seine…
galerie Pascal Robaglia 2Pascal Robaglia parfait encore le stratagène en s’offrant une publicité dans Le Figaro pour faire venir à Neuilly les amateurs d’art. Au premier client qui se présente, Il présente un tableau de Gugli, sorte de petit Andy Warhol français, représentant le général Mac-Arthur faisant le salut nazi.
Lorsque le client se renseigne auprès du galeriste sur  l’Ecole dont il s’agit, celui-ci pris de court se tourne vers la cuisine et répond avec un aplomb qui sera sa signature : « l’école frigo » !
Vente conclue ! La galerie de Pascal Robaglia vient de faire sa première affaire. Par la suite il enchaîne les ventes,  encouragé par ce premier succès et l’incroyable aide à la vente apportée par son lieu de vie, écrin magnifique pour sublimer la peinture exposée.
Pascal Robaglia fait d’autres puis d’autres et d’autres encore publicités dans Le Figaro et dans d’autres journaux. A chaque fois les clients affluent toujours plus nombreux – certains d’avoir découvert une adresse magique !
Grâce à ses nouvelles relations dans les galeries, Pascal Robaglia remplace facilement et rapidement les tableaux vendus par de nouvelles œuvres. Sylvie, l’épouse de Pascal Robaglia aidait avec conviction son mari pour l’installation des toiles et la réception des clients. C’était le début d’un âge d’or.
Pascal Robaglia imagine alors le concept de « maison-galerie » et déménage dans une grande et belle demeure au Vésinet (à l’ouest de Paris) où il organises maintes expositions et manifestations avec le même succès.